Bernadette La Hengst - La Beat

Da ich persönlich ziemlich beeindruckt von Bernadette La Hengst bin, hab ich ein paar Infos von laut.de kopiert. Übrigens trat sie gerade im Juni auf dem Willy-Fest des Kulturvereins Willy, der, vorsichtig ausgedrückt, der Kommunistischen Partei Österreichs ziemlich wohlgesonnen ist.

Damit es nicht untergeht: Auch dieses Album wird Euch von Buenaventura Durruti zur Verfügung gestellt.
Aufruf: Wer mehr von Bernadette hat bitte bitte bitte uppen.

Biografie

Kurort Bad Salzuflen. Für die einen Heimatstadt eines Jürgen von der Lippe, für die anderen Ursprung für das, was in den 90ern aus Hamburg tönt. Die Talente und Vordenker Frank Spilker, Jochen Distelmeyer und Bernd Begemann stammen ebenso aus diesem Ort wie Multitalent Bernadette La Hengst, Jahrgang 1967. Schon mit 19 Jahren veröffentlicht sie auf dem legendären Fast Weltweit-Label erste Stücke auf Kassettensamplern. Dennoch zieht die Künstlerin in ihren frühen Zwanzigern nach Berlin, um sich zunächst als Schauspielerin zu verdingen.

Im Wendejahr 1989 erfolgt der Umzug nach Hamburg, wo Bernadette 1990 die Band Die Braut Haut Ins Auge gründet. Hier fungiert sie als Sängerin und Gitarristin und fabriziert feinen Indierock. Quasi im Vorbeigehen schaut sie zeitweise bei Szenegrößen wie Huah! und Rocko Schamoni vorbei. Obendrein tobt sie sich mit den Mobylettes aus, ihrer Zweitband. Wer nun denkt, dass bis 2000 zur Trennung von DBHIA ganze vier Alben genug der Beschäftigung für Madame wären, irrt. Von 1998 bis 2001 betreibt die vielseitige Künstlerin zusätzlich ihre Agentur B.H. Booking und unterstützt dabei im wesentlichen befreundete Musikerinnen.

Nach dem Ende ihrer Band veröffentlicht La Hengst 2002 ihr Solodebüt "Der Beste Augenblick In Deinem Leben", gefolgt von zahlreichen Konzerten in Deutschland, Österreich und der Schweiz. Zusätzlich organisiert sie als eine von 50 Künstlerinnen das Ladyfest in Hamburg 2003 und andere Kongresse. Im Jahr 2003 ist dem Land NRW das bisherige Schaffen der Hengst bereits ein Künstlerinnenpreis wert. Zeit, sich zurück zu lehnen? Denkste! Bernadette La Hengst besinnt sich ihrer Wurzeln und spielt in den Sophiensälen zu Berlin.

2004 verlegt sie ihren Wohnort zurück nach Berlin. Hier schreibt sie an Hörspielen und Inszenierungen mit, doziert im Rahmen des Mädchencoaching-Projekts "Sistars" und bringt eine Tochter zur Welt. Neben einer Verpflichtung für das Kunst/Performance-Projekt "Unos United" bis zur Fußballweltmeisterschaft 2006, veröffentlicht die rastlose Schöpferin im April 2005 das erste Album als Teil des Schwabinggrad Balletts. In der zweiten Jahreshälfte folgt das nächste Soloalbum "La Beat". Selbstredend folgt im Anschluss daran eine ausgiebige Herbst-Tournee, die La Hengst sogar bis nach London bringt.

Das Album

Das zweite Album von Bernadette La Hengst ist ein Paukenschlag! Ohne Lärm, aber mit genug Druck, um wie der Herzschlag den Menschen am Leben, den Hörer bei Laune zu halten. Eine Standortbestimmung der geballten Schaffenskraft einer Künstlerin, Rockerbraut, Aktivistin, Dozentin, Mutter, Schauspielerin und nimmermüden Frau. Ausgestattet mit der Fähigkeit, niemanden zu verletzen, obwohl sie Inhalte direkt kommuniziert. "La Beat" spannt von den ersten Gospel-Momenten in "La Beat Goes On" bis zu den letzten cheesy House-Klängen in "Wissen Was" einen ansprechenden Spannungsbogen. Auch wenn dieser auch mal unspektakulärere Momente offenbart.

Die über Hip Hop-Beats gestellten Fragen an die eigene Tochter in "Rockerbraut und Mutter" bestechen mit Ehrlichkeit, ohne ins Pathetische abzudriften. Diese Leistung verzeiht sogar echt störende "Bohemain Rhapsody"-Kitschmomente gegen Ende des Liedes. Der nächste Song "Hunger" hüllt sich als Lebensgefühl in ein erfrischendes wie simples technoides Sound-Gewand, dass selbst mit Loch im Bauch zu verführen weiß. "140 Beats per Minute schlägt mein Herz mich bis zum Limit!". Ähnlich unbeschwert wippt "Warum Nicht 2" in die Gehörgänge, treibt und mahnt an, aber "warum nicht?"

Die größten Momente des Albums enthält "Zug ohne Bremse". Hier gelingt neben Gesang, Melodie und Text auch die perfekte Atmosphäre. Der Spannungsbogen führt mittels Cello und Geige ganz eng ans Herz und ins Glück. Das darauf folgende "Meeting Cybermohalla" fällt mit seinem Interlude-Charakter ein wenig aus der Rolle. Das Zusammentreffen von jugendlichen Gesängen aus dem indischen Delhi mit einem Gameboy-Klanggerüst verläuft leider ähnlich spannungsarm, wie der hundertste Durchlauf des Level 1 von Super Mario Land. Andererseits: Wo, wenn nicht an dieser Stelle, ist eine kurze Verschnaufpause angebracht?

Hinter "Globe" verbirgt sich eine Mischung aus dem Intro der Talkshow Ricky (kennt die noch einer?), dem "Oh Oh" der Teletubbies und softem Elektro-Gefrickel. Die allesamt erwähnten "talk about"-Themenvorschläge eignen sich hervorragend für stundenlange Kontroversen, aber garantiert nicht für "Globe"-alisierungsgegner (Man möge mir dieses Wortspiel bitte verzeihen!) Wem das alles nicht reicht, dem könnte "Her mit der Utopie" aus der Seele sprechen, die anderen dürfen (sollten aber nicht) das Lied bis zu "Nie Mehr Vor Mittag" verschlafen, ein reizender Soll/Ist-vergleich unterlegt mit Chor, Gitarre und Glockenspiel. Nur der Schwur "Nie mehr vor Mittag aufstehen!" erscheint bei einer solch umtriebigen Künstlerin wie Bernadette La Hengst schwer nachvollziehbar.

Mit "Krachgarten", das weniger krachend und mehr verträumt vor sich hin blüht, und "Wissen Was" samt Ansage "Du solltest wissen was du willst, solltest wissen was du nicht willst!" klingt "La Beat" auch mit cheesy House wieder sanft aus. Es bleibt die Gewissheit, dass ein solches Album in jede gut sortierte Plattensammlung gehört. Du musst nur: Wissen was du willst.



La Beat


Title
1. La Beat Goes On
2. Copy Me(I Want To Travel)
3. Rockerbraut & Mutter
4. Hunger
5. Wer hat das Glück versteckt?
6. Warum nicht 2
7. Hast du jemals überlegt
8. Zug ohne Bremse
9. Meeting Cybermohalla
10. Globe
11. Her mit der Utopie
12. Nie mehr vor Mittag
13. Krachgarten
14. Wissen was

Genre: Alternative
Bitrate: 131 kBit/s (VBR)
Year: 2005

Die Braut Haut Ins Auge

Da ich gerade für mich Die Sterne wieder entdeckt habe, hab ich so überlegt, was ich zu der Zeit damals noch so gehört habe. Neben Blumfeld, den Goldenen Zitronen, Tocotronic, Huah!, Nationalgalerie waren da noch die deutschen RiotGrrrls-Bands Lassie Singers und Die Braut Haut Ins Auge. Hab mal zwei Alben von Die Braut Haut Ins Auge in meinem CD-Wust ausgegraben und Euch hochgeladen. DBHIA war die Klasse-Band um Bernadette La Hengst, die uns auch heute immer noch auf Samplern begegnet - zuletzt auf dem G8-Sampler. Anzusiedeln sind DBHIA bei der Hamburger Schule, wenn auch gelegentlich mal ein englisches Lied dabei war.

Leider habe ich nur die beiden Alben. Sollte irgendwer POP IST TOT oder + 1 auf der Gästeliste haben wäre ich glücklich eine Kopie zu bekommen. Gleiches gilt für eines der zwei bis drei Bernadette-Alben, die ich verzweifelt im Netz suche.


"Diese Frage ist uns in den letzten Jahren bestimmt zwischen 150 - 200 mal gestellt worden", reagiert Bernadette La Hengst auf die Standardfrage nach dem ominösen Bandname leicht gereizt. Der Name Die Braut Haut Ins Auge ist demnach auf den etwas zu frühen Eheeintritt einiger Bandmitglieder und die Frage, wie man den Ehemann wieder los wird zurückzuführen – aufkommende Gewaltfantasien sind in "Das Dramatische Kind" verarbeitet.

Rund neun Jahre sorgte die Hamburger Band für Furore. Als Girl-Group taugt sie ebenso wenig, wie als Ausdruck der Hamburger Diskurspop-Welle. "Wir passten in keine Mode, wir haben uns einfach unseren eigenen Platz geschaffen", sagt Bassistin Peta Devlin. Die Braut Haut Ins Auge war für alle Genres immer etwas zu eckig und kantig.

"Da kam wenig Interesse", erinnert sich Sängerin La Hengst noch an die Anfänge. Zu Beginn der 90er Jahre fand sich kein Label für ihre erste Veröffentlichung – niemand konnte so recht etwas mit der Frauencombo anfangen. Die erste Doppelsingle musste mit von Freunden geliehenen Geld noch selbst produziert und vertrieben werden.

Drei Alben folgten – über Trash und Pop-Punk wurde Pop neu erfunden, beschreiben die Bräute ihren Werdegang selbst. "Pop Ist Tot" war 1998 das Produkt dieser Auseinandersetzung. "Pop ist tot und es lebe Pop", kommentiert Petra die letzte richtige Scheibe, die der Welt mit "Wenn Du gehst" oder "Der Mann Mit Einem Hang Zur Depression" wunderschöne Pop-Hymnen vermachte. laut.de

Die Braut Haut Ins Auge



Title:

01 Lauf Los
02 Alles Was Mir Fehlt
03 Der Langweiligste Junge Der Welt
04 Bombe
05 Das Dramatische Kind
06 Mondaen
07 Will You Love Me ?
08 Lass Es ! Tue Es !
09 Alles Was Ihr Wollt
10 Schoen Schoen Schoen
11 Warum Nicht
12 Mein Bett Stinkt
13 Warum Ich So Laut Singen Kann
14 Verkehrte Welt

Genre: Alternative
Bitrate: 160 kBit/s
Year: 1993


Was Nehm Ich Mit?



Title:

01 Tandem-Sprung
02 Greenwich Village
03 Provisorisch
04 Ist Sie Ein Magnet?
05 Was Nehm Ich Mit (Wenn Es Krieg Gibt)?
06 Nichts Ist Fuer Immer
07 Wenn Es Dann Vorbei Ist
08 Stop Talking!
09 Blaetter Und Menschen
10 Mein Platz
11 Liebe Und Revolution
12 They Say
13 Mondtag
14 Gute Nacht
15 Das War Mein Leben

Genre: Alternative
Bitrate: 160 kBit/s
Year: 1995

Bernadette La Hengst - Machinette

Ein anonymer Freund legt Euch das neue Album von Bernadette an Herz. Es ist grandios, soviel darf ich schon verraten.
Ich hätte es Euch gerne schon früher vorgestellt, doch hätte ich dafür ein Versprechen brechen müssen. So kommt die Vorstellung des Albums ja auch!

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Bernadette La Hengst knackt Klischees in Widersprüche auf und zeigt, daß in der nur allzu bekannten langweiligen Form ein richtiger Kern zu finden ist, der wieder vergessen wurde und heutzutage einer wichtigen Erkenntnis gleichkommt. Die Begriffshülsen »Freiheit« und »Sicherheit« wendet die Künstlerin z.B. auf sich, untersucht sie zu Zeiten des Prekariats auf deren Realitätsgehalt und klopft sie auf etwaige Widersprüche und Ambivalenzen ab. Das Ergebnis ist eine Ideologiekritik, zu der man tanzen kann.
Quelle: jungeWelt

Wem der Name Bernadette La Hengst noch nichts sagt, der hat seit 1987 Vieles verpasst. Bernadette war in unzähligen Projekten als Schauspielerin oder Aktivistin beteiligt. Doch hauptsächlich kennt man sie für ihre Musik. Und von ihrem neuen Album “Machinette” sieht man sie ganz charmant verkabelt vom Cover blicken - Und ist wirklich froh, dass man nach der Auflösung ihrer Band Die Braut Haut Ins Auge doch noch was von ihr hören darf.

2 1/2 Jahre ist es nämlich schon her, dass ihre Band mit dem tanzbar-folkigen “La Beat” auf sich aufmerksam machte. Kurz danach trennte sich Die Braut Haut Ins Auge leider und der Zuhörerschaft war Angst und Bange, dass man von Bernadette nun nichts mehr hören würde. Diese Frau ist schließlich ein Tausendsassa! Was hat man sie geliebt für ihre Lieder, z.B. mit der Band Huah!, die sogar schon von Tocotronic gecovert wurde (“Die 10Uhr Show”). Oder ihre diversen Solosongs auf Samplern von Labels wie Lado oder Tapete Records. Und natürlich auch im Speziellen für die Musik mit Die Braut Haut ins Auge. Ihr jetziger Musikstil ähnelt dem der Band auch noch am meisten.

So begegnen einem auf dieser Platte Soul- und Popmelodien, gepaart mit Krautpopaspekten und der wunderbaren Stimme Bernadettes. Im Lied “Das Dorf am Ende der Welt” singt sie:

“Vielleicht hast du Recht, vielleicht klebt an Großstädten Pech.
Aber ich kann hier nicht bleiben!”

und bringt damit die Sehnsucht unsere Generation Landflucht auf den Punkt. Sowieso sind all ihre Texte ziemlich tagesaktuell. Das Lied “Der grüne Halsbandsittich” z.B. ist eine sehr offene Kritik am weltweiten Kohlendioxid-Ausstoß. In wunderbare Worte verpackt allerdings, nicht stumpf protestierend. So schildert in diesem Lied ein Halsbandsittich seine Sichtweise auf die Erde und erläutert seine Beobachtungen. Die Stimme wurde elektronsich nachbearbeitet und schon hat man die perfekte Vorstellung von diesem Sittich, wie er über die Erde fliegt und das alles mit ansieht.

“Ich bin der grüne Halsbandsittich und ich bin der Gewinner!
Ich habe mich befreit aus ihrem überheizten Zimmer!
Draußen ist es fast so warm wie zuhaus am Amazonas
und Nüsse schmecken mir so gut wie die Reste von McDonalds!”

Doch ganz allein muss Bernadette sich auf diesem Album nicht zur Schau stellen, sie bekam tatkräftige Unerstützung von Künstlern wie Knarf Rellöm oder Jan Fride. Für das Lied “Echo unserer Eltern” besuchte sie sogar einige Senioren in Freiburg, dass diese den Chor für das Lied einsingen. Im Lied “Haare zu Berge” singt Pastor Leumund:

“Alle kaufen Kippen, anstatt das Kaufen zu kippen.”

All diese verschiedenen Einflüsse führen zu einer bunten Musikmischung, die stets kritisiert, aber nie von positiven Aspekten absieht. Tolle Popmusik, die man sich gut anhören kann. Nicht nur der feminine Albumtitel “Machinette” steht also wiedermal dafür, dass auch Frauen in der Popmusik noch was zu sagen haben - Auch dem Charme der Musik kann man sich nur schwer entziehen.

“If you don’t know the phunk, you don’t know anything.”

Go, Bernadette!
Quelle: mainstage

und ein kleines Interview aus der Spex (Text: Max Dax, Corinna Koch):

Sie war dabei, beim Urknall der sogenannten Hamburger Schule, damals in Bad Salzuflen, als die jungen Frank Spilker, Bernd Begemann und Jochen Distelmeyer sich dazu entschlossen, fortan in ihrer Muttersprache zu texten. Das war kurz vor dem Mauerfall, anschließend trafen sich alle in Hamburg wieder, und Bernadette La Hengst gründete endlich ihre eigene Band Die Braut haut ins Auge – und wurde mit ihrem energischen, deutschsprachigen Beatpop zu einer Identifikationsfigur nicht nur für Feministinnen.
Seit 2002 verfolgt sie eine Solokarriere, ihr drittes Album »Machinette« erscheint am 25. April. Auf diesem finden sich dreizehn neue Songs, darunter das bemerkenswerte Lied »Der grüne Halsbandsittich«, auf welchem La Hengst die eigene Kunstsprache auf eine neue postbiografische Ebene hebt.

Ein Lied geht mir meist schon lange im Kopf umher, bevor ich die erste Zeile schreibe. Eine Auseinandersetzung mit dem Thema des zu schreibenden Songs ist sehr wichtig. Diese Auseinandersetzung kann in Einzelfällen ein paar Jahre dauern. Über Monate besteht ein unfertiger Song dann aus Stichworten und vielleicht einem angefangenen Refrain. Ich weiß mittlerweile aber, dass selbst ein Song, der mir Probleme bereitet, einmal beendet sein wird. Ich habe keine Angst mehr vor dem unfertigen Song, weil ich weiß, dass ich über den Text siegen werde.

Ein Text darf aber niemals abhängig von der Sängerin oder dem Sänger gesehen werden – er steht immer für sich. Deshalb konnte ich mit 15, 16 Jahren auch Straßenmusik machen und Coverversionen von Ton Steine Scherben und viel Rio Reiser spielen. Ich bin deutsche Studentenstädte abgefahren, aber auch Zürich, Basel, Lausanne, Genf, Frankreich und die Atlantikküste. Damals habe ich meine Stimme ausprobiert. Bewusst zu texten begann ich erst später, als ich in Bad Salzuflen auf die Jungs von Fast Weltweit traf – Bernd Begemann, Frank Spilker, Jochen Distelmeyer, Michael Girke –, die ganz selbstverständlich ihre eigenen Texte schrieben. Für sie war es gar keine Frage, eigene Songs zu singen. Das war für mich eine Initialzündung. Ich war in Bad Salzuflen und sagte mir: Was die können, kann ich auch.

Vielleicht ein Wort zu dem Label Fast Weltweit: Angefangen hatte alles mit Bernd Begemann, Michael Girke und Frank Werner. Diese drei sind fünf Jahre älter als alle anderen, also auch als Frank Spilker und Jochen Distelmeyer. Sie kamen eher aus der Punkrock- und New-Wave-Szene, die Neue Deutsche Welle war vorbei. Sie realisierten: Dieses Zeitfenster hatten sie verpasst. An Marius Müller-Westernhagen oder Udo Lindenberg wollten sie sich aber auch nicht orientieren. Sie wollten in einer eigenen Sprache Lieder schreiben. Der Stil, der in Bad Salzuflen entstand, und der somit prägend werden sollte für Bands wie Die Antwort, Blumfeld, Der Fremde, Die Sterne und letztlich auch mich, definierte sich durch Ausschlusskriterien: nicht NDW, nicht Deutschpunk, nicht Deutschrock, nicht Funpunk. Anders gesagt: Was bleibt übrig, wenn man gerne Elvis Costello, The Jam oder The Smiths hört und die eigene Lebenswirklichkeit in deutschen Kleinstädten stattfindet?

Zeitgleich gab es Die Goldenen Zitronen in Hamburg, die Einstürzenden Neubauten in Berlin oder die Kolossale Jugend aus Pinneberg, die sich ebenfalls an der Möglichkeit einer Post-NDW-Sprache abarbeiteten. Ende der Achtziger zogen dann alle nach Hamburg, und die Karten wurden neu gemischt. In Hamburg entstand mit der Gründung etlicher Bands das, was dann später von außen als ›Hamburger Schule‹ bezeichnet werden sollte.

Das ist Geschichte. Wie erging es dir in diesen Wirren?
Nach all den demütigenden Erfahrungen, die ich als junge Frau bei den Aufnahmeprüfungen zur Schauspielschule gesammelt hatte – die Fremdbestimmung durch Regisseure und Schauspiellehrer, die dich auf dein Talent prüfen, auf deine Ausdrucks- und Willenskraft –, war die in Bad Salzuflen gefällte Entscheidung, es fortan mit eigenen Texten zu versuchen, wie eine Art Selbstermächtigung: Ich schreibe mein eigenes Leben auf, und ich lasse es mir von niemandem diktieren. Viel mehr noch: Ich kann mich und mein Leben durch meine Lieder selber inszenieren. So habe ich 1986 angefangen, meine eigenen Texte zu schreiben.

Allerdings hatte ich zu diesem Zeitpunkt noch keine Band, keinen Spiegel, keinen richtigen Filter. Ich schrieb Lieder, aber ich ging mit ihnen nicht auf Tour, bekam keine Resonanz. Ein paar dieser Lieder erschienen auf Kassettensamplern von Fast Weltweit. In Hamburg wurde es dann ernst, ich gründete 1990 meine erste richtige Band, Die Braut haut ins Auge.

Der Bandname war selbst schon fast so etwas wie ein Songtext, in all seiner Knappheit. Das Mädchen und die Wut. Ausbrechen, gleichzeitig eine Art von romantischer Geschichtsschreibung. Denn darum geht es doch: Eine eigene Geschichte zu erzählen. Meine ersten Songs handelten alle irgendwie von mir. Ich empfand das Schreiben dennoch als Wagnis, auch, weil unmittelbare Vorbilder fehlten. Es gab zwar Anfang der Neunziger in Hamburg viele Bands um uns herum, doch da war dieser Zwang zur diskursiven Haltung. Ich wollte und musste mich davon abgrenzen – und von den Männern, welche die Rockmusik dominierten. Es gab in Hamburg einfach so gut wie keine Songschreiberin. Mir fällt jetzt nur Katrin Achinger von den Kastrierten Philosophen ein – und sie textete auf Englisch.

Wie hast du aus dieser Ausgangsposition heraus zu deiner eigenen Sprache gefunden?
Mir war bewusst, dass ich so etwas wie eine eigene Sprache finden musste, um mich nicht an den Maßstäben anderer abzurackern. Ich fand ein Vorbild in Hildegard Knef und ihren Schlagern, die, wenn sie gut waren, exzellent erzählte Geschichten waren. Ich empfand ihre besseren Chansons immer als eine Art deutschsprachiger Countrymusik. Es ist übrigens bemerkenswert, dass sie alle ihre Texte selber geschrieben hat. Sie textete sehr autobiografisch, hatte aber stets einen distanziert-selbstironischen Bezug zur Welt. Das hat mir imponiert.

Daliah Lavis Lieder mochte ich auch, sie hat, anders als Knef, nicht selbst getextet, sie hatte eine Texterin namens Marion Francis. Interessanterweise sind ihre meisten Texte Übersetzungen von Carole King, die ja in den Sechzigern auch Auftragsschreiberin von Girl Groups war, bevor sie ihre Lieder selbst sang und damit ein wichtiger Teil der weiblichen amerikanischen Songschreiberszene der Siebziger wurde. Darüber war ich überhaupt auf sie aufmerksam geworden, denn ich hörte in der Zeit viele Girl Groups.

Was war schwieriger zu finden? Deine Position als Sängerin oder die eigene Sprache?
Die Frage war in beiden Fällen die gleiche: Wie kann ich zu holprigem Pop-Punk oder zu Beatmusik singen, ohne dass es peinlich ist? Und ohne dass es gleich zu Deutschpunk wird? Ich bin schließlich keine Kunstfigur, ich kann mich nicht von mir trennen. Das heißt, ich kann mich nicht trennen von mir als einziger Songschreiberin Anfang der Neunziger weit und breit in Hamburg. Eine solche Erkenntnis führt natürlich zu feministischen Positionen. Ein Song wie »Wenn du gehst« von Die Braut haut ins Auge war der Versuch, einen Song wie »I Want You« von Elvis Costello aus weiblicher Perspektive in deutscher Sprache zu denken – ein berührendes Liebeslied also, aus Liebeskummer heraus geschrieben. Ich wusste aber noch im Entstehungsprozess, dass ich, anders als Elvis, nicht vor meinem Lover auf dem Boden kriechen konnte.

Während er sich das vielleicht erlauben konnte, es bei ihm möglicherweise sogar eine Darstellung von Stärke war, konnte und wollte ich es nicht. Hätte ich es getan, hätte ich meinen feministischen Hintergrund verraten. Die Aussage meines Liedes lautete, anders als bei Elvis: Ich werde NICHT auf die Knie gehen, egal, ob du mich noch liebst.

Limitierst du dich, wenn du schreibst?
Auch wenn es immer Popsongs bleiben: Meine Haltung, also gewissermaßen etwas Größeres als der Song, beeinflusst mein Songwriting ganz bewusst. Und natürlich ist klar, dass ich auf Deutsch texte. Geprägt von den Schlagern, die ich bei uns zu Hause in meiner Kindheit gehört habe, über Ideal, Peter Hein und Rio Reiser. Überhaupt Rio: Kein Texter dachte wie er eine Hippievision, ernsthafte politische Anliegen, Parolen und zarteste Liebeslieder zusammen.

Seit du 2002 deine erste Soloplatte veröffentlicht hast, trittst du als Songschreiberin in den Vordergrund.
Ich empfinde mich eher als Medium von Ideen. Früher war es oft so, dass ich überlegt habe: Worüber schreibe ich denn jetzt bloß meinen nächsten Song? Das Lied »Bar Europa« beispielsweise von meinem ersten Album »Der beste Augenblick in meinem Leben« hat sich fast von selbst geschrieben. Das ist ein politisches Lied, in welchem ich es mir selbst zur Vorgabe gemacht hatte, ein Lied über Europa zu schreiben. In ihm gehen die Euphorie über ein neues Europa, die Internationalität und die Reisefreiheit zusammen mit einer Hinterfragung der Euphorie. Denn die Reisefreiheit gilt ja nur für Privilegierte – die Migrationspolitik setzt den Nichtprivilegierten neue Grenzen.

Ich hielt mich im Jahr 2000 für fünf Monate in Lissabon auf, ich singe in dem Lied: »Dies ist nicht der Mittelpunkt der Welt / In der Bar Europa«. Damit meine ich mich selber, aber damit meine ich auch Europa, Deutschland, Hamburg, St. Pauli. Die Bar Europa gibt es in Lissabon übrigens wirklich: Es handelt sich um eine schöne, gemütliche Bar, in der man sich wie im Mittelpunkt oder aber am Ende der Welt fühlen kann.

In »Bar Europa« verknüpfst du deine eigene Biografie, deine Familiengeschichte, Europa und Auschwitz zu einem Koordinatensystem, du singst: »Ich bin auch so einer von drüben, meine Mutter kam aus Pommerland / Und mein Vater stand bei den Zügen und sortierte mit eigener Hand.«
Tatsächlich habe ich hier Autobiografisches thematisiert. Meine Mutter kam aus Schlesien und ist eine ›Vertriebene‹. Ein entfernter Verwandter, mittlerweile verstorben, hat tatsächlich an der Rampe, an den Zügen gestanden und war an der sogenannten Auslese beteiligt. Die Nachricht war für mich ein ungeheuerlicher Schock. Weil mir schlagartig und nicht nur abstrakt klar wurde, dass zum ›Deutschsein‹ dazugehört, sich mit solch unangenehmen Wahrheiten auseinandersetzen müssen. Und es gehört auch zum ›Europasein‹ dazu. Solche Überlegungen durchdringen dieses Lied. Die Euphorie und die Begeisterung für Europa – und die Ernüchterung. Ich bin der Meinung, dass man in einem Lied Widersprüche zu- und stehenlassen kann.
Zumal in der Bar Europa: die übrigens im Hafenviertel von Lissabon liegt, in dem sich ganz viele Bars mit alten Leuchtreklamen befinden. Sie alle tragen Namen der Herkunftsländer und -städte der Seeleute, die für ein paar Tage in Lissabon Halt machen. Es gibt die Bar Oslo, die Hamburg Bar, die Paris Bar, das Arizona, eine Tokyo Discoteca, eine Texas Bar oder das Scandinavia.

Auf deinem neuen Album »Machinette« findet sich der bemerkenswerte Song »Der grüne Halsbandsittich« – ein komplexes, mehrstimmiges Cut-Up aus Zitaten und verstellten Stimmen mit tagespolitischem Einschlag.
Das Lied ist eine Kollaboration mit dem holländischen Architekten und Künstler Ton Matton. Er beschäftigt sich in seiner Kunst mit dem Klimawandel und pflanzt zum Beispiel in europäischen Großstädten Bananenbäume, um zu zeigen, wie weit der Klimawandel schon fortgeschritten ist. Bei einem Gespräch in Rotterdam erzählte er mir von zwei Vögeln – einem Klimawandelverlierer und einem -gewinner. Der Trauerfliegenschnäpper, der Name sagt es schon, ist ein Verlierer der Erhitzung unseres Planeten: Er fliegt im Winter nach Süden, und wenn er zurückkommt, ist, anders als früher, alles schon weggefressen worden von den anderen Vögeln. Er kommt zu spät zurück, seine biologische Uhr tickt noch nach der Zeit vor dem Klimawandel. Wenn er nicht aufpasst, wird er aussterben.

Der grüne Halsbandsittich hingegen ist ein Gewinner der entfesselten Natur. Eigentlich ein Käfigvogel, kann er heutzutage auch in der freien Natur überleben, einfach, weil sich die Atmosphäre so aufgeheizt hat. Die Idee, über das Schicksal dieser beiden Vogelarten ein Lied zu schreiben, indem ich den Gewinner dem Verlierer gegenüberstelle, hat mich seit diesem Gespräch nicht mehr losgelassen.

Wie schreibt man einen Song aus der Vogelperspektive?
Ich ging ganz methodisch vor. Mir war recht schnell klar, dass ich mich in die Vögel hineinversetzen musste – ich wollte aus der Perspektive der beiden Vögel singen, damit ihre Eigenschaften vermenschlicht werden und eine emotionale Spannung entsteht. Und aus der Gegenüberstellung von Gewinner und Verlierer kam ich recht bald auf die Idee, diesen beiden Lebensberichten die Refrainzeilen aus »The Winner Takes It All« von ABBA gegenüberzustellen. Um aus den Perspektiven des Trauerfliegenschnäppers und des grünen Halsbandsittichs glaubwürdig singen zu können, befasste ich mich u.a. mit dem weltweiten, subventionierten Emissionenhandel. Ich dachte einfach: Wie kann ich diesen Text politisch aufladen, wen kann ich anklagen – das Thema bietet sich geradezu an.

So kommt es dann dazu, dass ich mit hochgepitchter Stimme als grüner Halsbandsittich singe: »Ihr verdient doch euer Geld auch mit Emissionenhandel / Warum soll ich nicht Gewinner sein von eurem Klimawandel?«. Mir hätte es also nicht gereicht, nur die Geschichte der beiden Vögel zu erzählen, das Lied sollte auch einen Bezug zu den Menschen herstellen, die den Klimawandel verantworten.

Muss ein Lied nach Verantwortlichen fragen?
›Ich‹ muss das. Für mich müssen Lieder immer wieder auch falsche politische Signale thematisieren können – sei es ein Thema wie Klimawandel, oder die Tatsache, dass Menschen durch die Migrationspolitik nach ihrer wirtschaftlichen Nützlichkeit selektiert werden. Ich lebe als Texterin vom Sprachtreibgut und von den Inhalten, die von den Nachrichten angespült werden.

Hast du ein konkretes Beispiel?
Als in Hamburg die Schillpartei als Koalitionspartner an der Regierung war, entstand der Song »Die da oben machen ja doch was wir wollen«. Der Titel ist durch das »Wir« mehrdeutig, sowohl Ausdruck von Ohnmacht als auch kämpferischer Appell, gerade weil sich der Refrain auf einen eher einfachen agitatorischen Slogan von Ton Steine Scherben bezog: »Und wir argumentieren, und wir analysieren / Doch wir werden verlieren, wenn wir uns nicht... / Organisieren, mobilisieren, analysieren, formulieren…«. Der Refrain wurde in Hamburg in der Folge oft auf Demonstrationen gesungen... Als ich das zum ersten Mal mitbekam, dachte ich: Ist doch manchmal ganz schön, wie sich Texte verselbstständigen und in die Welt weitergetragen werden...


320 kb/s
164,64 MB

Download:
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Knarf Rellöm

Feppea vom gulli.board hat vor ein paar Wochen die Knarf Rellöm Alben wieder in Erinnerung gebracht. Grund genug sie auch auf diesem Weg neu vorzustellen. Ich hab da ein nettes Interview von Ende 2006 auf satt.org gefunden, es wurde damals von Christina Mohr mit Frank geführt.

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Knarf Rellöm ist im November mit seiner alten Band Huah! unterwegs – Anlaß war die Wiederveröffentlichung der CD “Scheiss Kapitalismus!” Ausserdem wollten Huah! (derzeitige Besetzung: Bernadette La Hengst, Nixe aka Diana Diamond, Knarf Rellöm, Sven Elsner/Tigerbeat und Christine Schulz/Parole Trixie) laut Presseinfo “Spass haben”, was man den Musikern auf der Bühne sofort glaubt. Ziemlich zeitgleich ist aber auch die neue Knarf Rellöm Trinity-Platte erschienen, sie heißt “Move Your Ass & Your Mind Will Follow”. Der Titel ist Programm: es gibt – wie üblich bei Knarf Rellöm – sehr viel Text, gleichzeitig ist die Platte ein Funkmonster wie auch schon “Einbildung ist auch ´ne Bildung” von 2004. Damals nannten sich Knarf und seine bewährten Kollaborateure DJ Patex und Viktor Marek noch Knarf Rellöm with the ShiShaShellöm, doch das Universum hält so viele Worte bereit, dass es dumm wäre, einen Namen für immer und ewig zu behalten. Apropos Universum: das ist viel zu klein für das Ideen- und Themenfeuerwerk, das sich auf “Move Your Ass” Bahn bricht. Zwischen Hörspiel und House, Monologen und Monsterbeats treten auf: der Jazzvisionär Sun Ra (mehrfach), King Fehler (der tanken will), Mäusemenschen, Ausserirdische, deren Raumschiffe aussehen wie italienische Kaffeemaschinen (wie die auf dem Cover abgebildete), Hampfhunde mit Kerrchen, Sexualdemokratie, die ausserplanetarische Opposition und viele viele mehr. Doch Knarf Rellöm Trinity sind keine spacige Spasskapelle, sondern funky und politisch bis ins Mark. Sie finden den durch die WM erstarkten “positiven Patriotismus” weder lustig noch normal und nennen ihre Musik “No-Deutschland-Sound”. Auf der Platte ist eine Coverversion von “Like A Rolling Stone”, die Knarf gemeinsam mit Bernadette La Hengst singt und die Buddies von Saalschutz erzählen einen Witz (“Hey! Achilles”). Themen und Fragen genug, um sich mal mit Knarf Rellöm in echt zu unterhalten. Das folgende Gespräch fand nach dem Auftritt von Huah! beim 2. Internationalen Frankfurter Filmfestival statt.

Trotz neuer Platte mit Knarf Rellöm Trinity bist Du mit Huah! am 9.11. in Frankfurt im Rahmen des Internationalen Filmfestivals aufgetreten. Warum?
KR: Tatsächlich ist das Timing nicht besonders passend. Das liegt daran, dass Lado mit der Wiederveröffentlichung von “Scheiß Kapitalismus” ziemlich langsam, Alfred Hilsberg und ZickZack mit der Veröffentlichung von “Move Your Ass” sehr schnell waren. Außerdem war die Gage beim Filmfestival sehr gut, da konnten wir nicht nein sagen!

Wie war das, im Kinofoyer zu spielen?
KR: Es hilft schon sehr, dass wir zu fünft unterwegs sind und uns gut leiden können – Erobique aka Carsten Meyer hat ein paar Tage vor uns hier gespielt und fand es ziemlich furchtbar. Aber er steht ja auch allein auf der Bühne.

Man merkt Euch (Huah!) an, daß es sich nicht um ein halbherziges Revival handelt, sondern daß Ihr immer musikalisch aktiv wart …
KR: Ja, das stimmt. Aber damit Huah! weitermachen, braucht es jetzt noch den Anstoß von außen. Wir wollen motiviert werden, denn wir haben auch ohne Huah! alle genug zu tun!

Du spielst nicht nur mit Bernadette La Hengst wieder zusammen bei Huah!, Ihr singt auch zusammen eine Coverversion von “Like A Rolling Stone” auf dem Knarf-Rellöm-Trinity-Album. Es scheint, viele Parallelen zwischen Deiner und ihrer Karriere zu geben.
KR: Genau – wir haben beide irgendwann elektronische Musik entdeckt. Wir sind beide sowohl mit Bands als auch solo unterwegs und sind während unserer Laufbahn politischer geworden. Außerdem haben wir mal eine Vereinbarung getroffen: ich bin immer bei ihren Platten mit dabei und sie bei meinen (für mindestens einen Song).

Der Titel der neuen Platte “Move Your Ass & Your Mind Will Follow” ist ein Wortspiel mit Funkadelic´s “Free Your Mind and Your Ass Will Follow” …
KR: Das Spiel mit Worten und Namen ist immer ganz wichtig bei mir! Tendenziell habe ich immer zu viele Ideen für Titel … wenn du dir das Tracklisting der neuen Platte anschaust, gibt es zwei Stücke, die nicht drauf sind, weil es sie noch gar nicht gibt – aber ich fand die Titel schon mal gut (Nr. 14 + 15, “It´s an Electronic Band, Stupid!” und “Mittelstandsproblemcamp”). Wir heißen auch immer anders (Knarf Rellöm Ism, Knarf Rellöm with the Shi-Sha-Shellöm, Knarf Rellöm Trinity), weil mir ein Name allein zu langweilig wäre. Ich finde es öde, wenn eine Platte so heißt wie die Band, also zum Beispiel “Fotos”/”Fotos”. Dabei gibt es so viele Möglichkeiten, so viele Wörter!
Und der Titel unserer neuen Platte dreht den altlinken Ansatz um, dass man zuerst seinen Kopf befreien muß, um sich “bewegen” zu können. Das ist Dialektik, bei uns bewegt sich zuerst der Hintern, erstmal losgehen, der Kopf kommt dann hinterher. Das Spiel “These/Antithese” sollte allerdings nicht in Beliebigkeit ausarten. Ironie ist zum Beispiel ein Stilmittel, das zur Zeit jeder Depp im - ich nenne es mal “Oliver-Pocher-TV”- verwendet. Ironie ist eigentlich okay, wird aber durch den allgegenwärtigen Gebrauch stumpf und beliebig.

Im Song “AKD” (= Arme Kleine Deutsche) wirst du sehr explizit antideutsch, bezeichnest deine Musik als “No-Deutschland-Sound” in Anlehnung an die No-New-York-Bewegung von Anfang der achtziger Jahre. In Knarf-Rellöm-Texten sind die Strophen meist auf Deutsch, die Refrains meist in Englisch …
KR: Nation und Sprache sind ja nicht das Gleiche. Am Englischen liebe ich das kaugummiartige, ungenaue, das ist manchmal genau das richtige. Deutsch ist eine klare Sprache, ein Beispiel: “Ich liebe dich” kann man nicht nur so dahinsagen, das muß man schon ernst meinen. “I Love You” dagegen kann man mal so sagen, ohne daß es ganz ernst gemeint sein muß. Ich habe allerdings eine Refrainkrise, was die deutsche Sprache angeht*, weil der Text immer so expressiv wirkt. Einen englischen Refrain kann man viel leichter laufen lassen.

War früher alles besser? Betrachtet man das Cover von “Move Your Ass”, das die Buchgestaltung des linken März-Verlags zitiert, könnte man das vermuten …
KR: Um einen ganz banalen Satz zu sagen: Es gibt keine Zukunft ohne Vergangenheit! Christoph Schlingensief hat mal gesagt, “ich habe '68 nicht miterlebt, deswegen mache ich das heute.” Unser Cover transportiert die März-Gestaltung ins Heute, schon allein dadurch, dass es sich um ein CD-Cover handelt. Wir sind sehr zukunftsorientiert, seit '68 hat es ganz klar politische Rückschritte gegeben, deshalb sehne ich mich natürlich nicht in die sechziger Jahre zurück.
Sun Ra, den wir auf der neuen Platte öfters zitieren, ist zwar tot, aber er ist bis heute zukunftsweisend. Er hat zum Beispiel gesagt, daß Musik Treibstoff für Raumschiffe ist - und das ist genau der Grund, weshalb wir Musik machen! Dieser eine Satz von Sun Ra war der zündende Ideenfunke für diese Platte: auf einmal ergab alles einen Sinn! Das Bild von Musik als Treibstoff oder “Benzinkanister” habe ich vor kurzem in einem Interview in der Groove mit einer jungen HipHop-Band gelesen, deren Namen ich leider vergessen habe. Keine Ahnung, ob die wissen, wer Sun Ra ist, aber seine Einflüsse wirken bis in den heutigen HipHop hinein. Das erste Stück auf “Move Your Ass” handelt davon, dass DJ Patex und Viktor an ihrer Tankstelle auf Kunden warten – als dann King Fehler kommt und volltanken will, bietet Patex ihm zuerst James Blunt oder Jack Johnson an. Die will er aber nicht, The Streets und Outkast gefallen ihm schon besser, aber auf Knarf Rellöm Trinity als Treibstoff können sie sich dann schließlich einigen! Ich wollte zuerst Anastacia anstatt Blunt oder Johnson nehmen, weil ich ihre Stimme so schrecklich finde. Aber DJ Patex hat gesagt, daß nicht immer ich alles aussuchen soll und sie findet eben Blunt und Johnson so furchtbar langweilig.

Klaus Walter hat letztens im Radio über dich gesagt, du würdest “das Recht auf schlechte Laune” einfordern.
KR: Also, ich meckere gern, das stimmt! Ich bin oft mit den Verhältnissen nicht einverstanden und sage das dann auch. Und manchmal habe ich sicherlich divenhafte Anfälle – aber ich bin kein notorisch schlechtgelaunter Typ wie Mark E. Smith! Ich bin ja Klaus-Walter-Fan – mit dem Satz hat er vielleicht nicht ganz recht, aber er klingt gut!

Du hast in Zürich gelebt, auf der letzten und auch auf der neuen Platte gibt es immer wieder Schweiz-Verbindungen – was magst du an der Schweiz? KR: Wir sprechen die gleiche Sprache, aber Deutschland und die Schweiz sind kulturell total unterschiedlich. Ich konnte mir das Leben in Zürich leider nicht leisten, deshalb bin ich dort wieder weggezogen. Armut versteckt sich in der Schweiz – und die Bürokratie ist dort noch stärker als in Deutschland, was das Leben als Sozialhilfeempfänger wirklich schwierig macht. Apropos Geld: Die Krise der Musikbranche trifft ja jetzt auch die Kleinen – es ist also nicht mehr so, dass die kleinen Independentlabels als Gewinner des Zusammenbruchs dastehen. Und wir können von unserer Musik nicht leben – als Konsequenz daraus entsteht neue schlechte Laune. Ich bin dafür, dass kleine Musikacts die Eintrittspreise für Konzerte erhöhen sollten. Aber das wäre in der Szene, in der ich oft spiele (Jugendzentren, Antifa-Veranstaltungen) nicht durchsetzbar. Es ist wirklich vertrackt, denn ich will ja auch, daß jeder zu Knarf-Rellöm-Konzerten gehen kann!

Du bist aus Zürich wieder nach Hamburg gezogen – war Berlin je eine Option für Dich?
KR: Als wir aus Zürich kamen, hätte ich auch nichts gegen Berlin gehabt – aber DJ Patex ist ja so ein Landei (sie kommt aus Würzburg), ihr war Berlin zu groß und sie wollte lieber wieder nach Hamburg. Hamburg ist eine prima Spielwiese für uns, zum Beispiel veranstalten DJ Patex und ich jeden ersten Mittwoch im Monat im Pudel Club “Fürst Mittwoch”. Wir laden Künstler ein, die noch nicht so richtig berühmt sind wie zum Beispiel Pastor Leumund, auf den ich sowohl in Zürich im Club Voltaire und in Berlin gestoßen bin. Leumund ist ein durchgeknallter Künstler und Aktivist, der durchaus ernst gemeinte Techno-Gottesdienste abhält. Aber wir hatten auch schon Eric D. Clark und Melissa Logan als Gaststars bei Fürst Mittwoch!

“LCD Is Playing at my House” als Schlüsselsong der neuen Platte: Ihr zählt Bands auf, die Ihr mögt (Sonic Youth, Peaches, Funkadelic, Von Spar, FSK …), aber Black Eyes Peas und Indie-Rock schickt Ihr vor die Tür.
KR: Die Black Eyes Peas waren mal eine tolle Band mit einem Supergroove, bevor sie so bekannt wurden. Jetzt klingen sie so glattgebügelt. Fergie finde ich einfach schrecklich – schon dieser Name! Der Begriff “Indierock” steht für mich für diese weinerliche, langweilige, unpolitische, geistig rückständige Ich-Bezogenheit, wie sie ja leider zur Zeit total beliebt ist. Das ist ähnlich wie in den siebziger Jahren, als alle Leute mit einer Gitarre in der Hand auf einmal “Bluesrock” spielten. Heute machen alle “irgendwie Indierock”.

Meinst du die überall angepriesene Ehrlichkeit und Authentizität?
KR: Das hasse ich ja noch viel mehr, wenn ich das schon höre, “Authentizität”! Ich finde es stattdessen viel interessanter, “ich komme vom Mars” zu sagen, anstatt “ich bin aus Brooklyn und deswegen wahnsinnig authentisch”. Es ist gut, wenn der Künstler hinter seinem Werk zurücksteht, es interessiert mich nicht, wie Künstler privat so sind. Andererseits: als ich 16 war, fand ich auch so bodenständige, hemdsärmelige Bands gut, die sich für die Bühne nicht extra zurechtmachten wie zum Beispiel Status Quo. Authentizität ist wichtig für Teenager, aber seitdem ich selbst als Künstler unterwegs bin, gefällt mir Nicht-Authentizität besser.

Die Bravo ist kürzlich 50 geworden, das Heft hat ja gerade die Homestory in den Vordergrund gestellt …
KR: Ich drehe das Spiel um: Lieber der Außerirdische, der uns sein Raumschiff zeigt, anstatt des Künstlers, der seine Wohnung präsentiert. Wir hatten kürzlich die Idee zu einem Video, das “Die Unwahrheit und nichts als die Unwahrheit über Knarf Rellöm” zeigen wird! Kürzlich hörte ich, daß eine Frau über mich gesagt haben soll, ich müsse ja bestimmt Heroin nehmen, weil ich immer so fertig aussehe – das gefällt mir! Falsche Gerüchte sind gut!

Sind die ehrlichen, redlichen Künstler in Deutschland beliebter als die nicht-authentischen?
KR: Ha, gute Frage - immerhin gibt es auch in Deutschland schon 50 Jahre Popkultur – und auf Platz eins in den Charts ist ein Mann, der sein Gesicht hinter einer silbernen Totenmaske versteckt (Sido mit “Straßenjunge”), der sagt, ich bin ein Straßenjunge und kein Gangsta … wobei, das ist auch widersprüchlich, wenn er das so runterbricht …womit wir wieder bei der Dialektik wären!

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Fehler is King



Title

01 Autobiographie einer Heizung II
02 Soulpunk
03 Hey! Everybody
04 This Country
05 N.M.V.
06 Manche andere
07 Mr Blü
08 Was ist romantisch für Ted Gaier
09 Kein Mensch
10 Ich bin auf dem Weg zu dir
11 Langweiliger Nachmittag für Rockford
12 Same Old Song

Genre: Electronic
Bitrate: 154 kBit/s (VBR)
Year: 1999


Move Your Ass & Your Mind Will Follow



Title

01 Die Tankestelle am Rande unseres Planeten
02 Move Your Ass and Your Mind Will Follow (mit Plemo)
03 Den Kopf verlieren (What I Do No Forget)
04 Knarf Rellöm Trinity
05 Kaufen vor dem Saufhaus (mit Big Zis)
06 Akd
07 Hey! Achilles (mit DJ MT Dancefloor/Saalschutz)
08 Talkin' Techno
09 What's That Music? (mit Guz)
10 Ausserplanetarische Opposition (mit Elmar)
11 LCD Is Playing at My House
12 Like a Rolling Stone (mit Bernadette La Hengst)
13 Die Tankstelle am Rande des Nervenzusammenbruchs

Genre: Electronic
Bitrate: 160 kBit/s
Year: 2006


Einbildung ist auch ne Bildung



Title

01 Der Name
02 Change Is Gonna Come
03 Roc Stars
04 Little Big City
05 Bring The Beat Back,Viktor Marek
06 Null Eins
07 Einbildung ist auch ne Bildung
08 How I Wrote Mark E. Smith
09 Cultural Terror Force
10 Party People In The House
11 Get Down On Your Knees And Prey
12 I Wish I Was Him
13 Bring The Beat Back,Viktor MArek
14 Are You Ready?
15 Movin
16 Tony Curtis
17 Goldenboy's LBC

Genre: Electronic
Bitrate: 192 kBit/s
Year: 2004


Bitte vor R.E.M. Einordnen



Title

01 Now!
02 Internet Kills The Videostar
03 Der Idiot
04 Autobiographie einer Heizung
05 Ich weiss nicht, warum ich tu
06 Grammatik Song
07 Zweifel Is In The House
08 Du nervst mich schwer
09 Mr. Blü
10 Nichts wird so heiss gegessen
11 Ihr seid immer nur dagegen, macht doch mal bessere Vorschläge
12 Postkartenflut
13 Heiligengeistfeld

Genre: Electronic
Bitrate: 192 kBit/s
Year: 1997

Jetzt! - Liebe in GROSSEN Städten

Edit vom Geist: Ursprünglicher Beitrag erschien am 09.09.08. Aufgrund nachhaltigem Quängeln von nano hier wieder verfügbar. Und nano, auch wenn Dein Genöle effektiv war, nerven tut's trotzdem.

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Ich weiß ja, dass wir hier schon so manchen Schatz gehoben haben. Aber das, was jetzt angespült wurde, übertrifft meines Erachtens alles!
Ein Liebhaber, der leider Gottes anonym geblieben ist, hat irgendwoher diese Aufnahmen von Jetzt! aufgetan. Bester Soul in deutscher Sprache und mit die tiefste bekannte Wurzel der sogenannten Hamburger Schule.

Lieber anonymer Spender! Wenn Du noch mehr von Jetzt! hast, oder anderen Fast Weltweit-Sachen, bitte, bitte, bitte, laß uns teilhaben.

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Jetzt! ist die fast in Vergessenheit geratene Band um Michael Girke,
einem der Mitbegründer der Bad Salzuflener Fast Weltweit-Bande -
mit Bands wie Die Antwort, Die Sterne oder Blumfeld
die Ursuppe der späteren "Hamburger Schule".

1987 entstand dieses Demotape mit fünf Songs.

A1 Du bist nicht allein
A2 Wenn Deutschland träumt...
A3 Warum (ist es nicht leicht)?

B1 Kommst Du mit in den Alltag?
B2 Herbst in Berlin

Text & Musik: Michael Girke,
außer "Kommst Du mit in den Alltag?" - Text: Michael Girke / Musik: Mijk van Dijk-Girke
Arrangements: Jetzt!

Die Aufnahmen entstand mit dem "Berliner Lineup":
Michael Girke - Gesang & Gitarre
Mijk van Dijk - Bass
Oliver Mills - Schlagzeug & Percussion

Produziert/aufgenommen von Frank Werner in Bad Salzuflen

Blasinstrumente von Jochen Distelmeyer.
Tasteninstrumente von einem lokalen Keyboarder.
Backing Vocals u.a. Jochen Distelmeyer und Bernadette La Hengst
und 3 Mädchen als Kinderchor bei "Kommst du mit in den Alltag".

Das Design des Tapecovers ist vermutlich von Mijk van Dijk.
Die angegebene Adresse und Telefonnummer dürften nicht mehr aktuell sein ;)


Bei den "Raw Versions" handelt es sich mutmaßlich um die rohen,
ungemischten Versionen der Songs. Diese waren NICHT auf dem
veröffentlichten Demotape enthalten. Von "Wenn Deutschland träumt"
gibt es eine zweite Version, die im Ggs. zur "offiziellen" Version
am Ende ausfaded. Diese Versionen enthalten z.B. noch keine Bläser.
Bei "Herbst in Berlin" fehlt u.a. der Regen.


Die Songs sind von einem ca. 20 Jahre alten Tape gerippt, ohne
audiophile Ambitionen und klangverbessernde Nachbearbeitungen.
Sogar unter Kennern der Fast-Weltweit-Bande scheinen diese Aufnahmen
kaum bis gar nicht bekannt zu sein. Zeit, sie aus der Versenkung zu holen.

[copy me, i wanna travel ^^]
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Deutsche Gitarrenband um Michael Girke, gegründet 1984 in Bad Salzuflen. Entstammt dem hochproduktiven Umfeld der sogenannten "Fast-Weltweit-Bande" (benannt nach dem gleichnamigen Tonstudio und Plattenlabel), eines lockeren Zusammenhangs musikverrückter junger Menschen, bestehend unter anderem aus Frank Spilker (Die Sterne), Jochen Distelmeyer (Die Bienenjäger, später Blumfeld), Bernadette La Hengst (Die Braut haut ins Auge, Mobylettes) und Bernd Begemann. Diese gingen sämtlich später nach Hamburg und ernteten dort Bekanntheit bis Ruhm als Wegbereiter der sog. "Hamburger Schule"; Jetzt! hingegen kamen trotz ausgezeichnetem wütend-melancholischem Songwriting mit entsprechendem lyrischem Aussagekern über ein Nischendasein nicht hinaus. Allen gemeinsam war das Anliegen, authentische Musik nach britischem Vorbild in deutscher Sprache zu machen, als - kurz nach dem Niedergang der „Neuen Deutschen Welle“ - die popmusikalische Öffentlichkeit kaum Musik mit deutschen Texten hören wollte. Bandmitglieder bei Jetzt! waren zeitweise Thomas Schwebel, Fehlfarben-Gitarrist der ersten Stunde, und in der Berliner Phase der spätere Elektro-DJ und Musiker Mijk Van Dijk. Jetzt! veröffentlichen eine Single (Meine stille Generation, Acht Stunden sind kein Tag; 1985) und diverse Samplerbeiträge - unter anderem auf den beiden Fast-Weltweit-Kassettensamplern, die 1987 bzw. 1988 erscheinen (Winterschlaf, Das Dorf am Ende der Welt, Mitten im Krieg) sowie drei Songs auf einer Split-LP des Fast Weltweit-Labels (Vielleicht Menschen, Ein deutsches Leben, Hoffentlich passiert bald was, aufgenommen bereits 1985/86, veröffentlicht ca. 1988). Außerdem nehmen Jetzt! 1987 fünf Songs für ein Demotape auf, das im selben Jahr unter dem Namen "Liebe in GROSSEN Städten" bei Fast Weltweit erscheint (Du bist nicht allein, Wenn Deutschland träumt, Warum (ist es nicht leicht)?, Kommst du mit in den Alltag, Herbst in Berlin). Girke lebt zu dieser Zeit in Berlin und die Band besteht aus Michael Girke (Gesang, Gitarre), Mijk van Dijk (Bass) und Oliver Mills (Schlagzeug). Dies ist auch die letzte Besetzung von Jetzt! als Band. Nur wenige Monate später löst sie sich in Berlin auf, spätere Soloarbeiten von Girke (z.B. "Das Dorf am Ende der Welt", aufgenommen im Januar 1988) werden aber noch unter dem Bandnamen veröffentlicht. 1988 wurden offenbar auch diese eingestellt. Der Song "Kommst du mit in den Alltag" (Text: Girke, Musik: van Dijk-Girke) wird später von Blumfeld auf dem Album "Old Nobody" gecovert; Jochen Distelmeyer sagt, Jetzt!-Mastermind Michael Girke sei in jungen Jahren als sein künstlerisches Vorbild gewesen. Anfangs offensichtlich stark beeinflusst durch den zornigen Gitarrensound von The Jam, veränderte Jetzt!-Kopf Michael Girke mit der Zeit die musikalische Ausrichtung der Gruppe. Die in der Spätphase um 1988 aufgenommenen Stücke spielte er schließlich solo mit akustischer Gitarre ein. Die sorgfältig und ausdrucksstark verfassten Texte der frühen Songs hatten noch treffsicher die Bewusstseinsnuancen der spätkapitalistischen Spektakelgesellschaft und deren kleinstädtische Ausprägungen seziert; dieser sozialistisch-existentialistische Einschlag verflüchtigte sich nach und nach zugunsten einer resignativen Innerlichkeit, die in Girkes Stück „Ein Lied, in dem alle Fiesen sterben“ gipfelte. Michael Girke macht mittlerweile keine Musik mehr. Sämtliche Tonträger der Band sind vergriffen, kein einziges Stück ist je auf CD veröffentlicht worden.
Quelle: last.fm

Jetzt! - Liebe in GROSSEN Städten



Title Liebe in GROSSEN Städten

01 Du bist nicht allein
02 Wenn Deutschland träumt
03 Warum (ist es nicht leicht)?
04 Kommst du mit in den Alltag?
05 Herbst in Berlin

Title Raw-Versions

01 Warum (ist es nicht leicht)? (raw)
02 Du bist nicht allein (raw)
03 Wenn Deutschland träumt (raw)
04 Kommst du mit in den Alltag? (raw)
05 Herbst in Berlin (raw)
06 Wenn Deutschland träumt (raw - fade out version)

Genre: FastWeltweit
Bitrate: 192 kBit/s
Year: 1987

Bernadette La Hengst, GUZ & Knarf Relloem sind: DIE ZUKUNFT - Sisters and Brothers

Hab's ja versprochen: Die Zukunft wird vorgestellt, wäre auch 'ne Schande wenn nicht. Aber labelfriendly!

Zum einen machen alle drei Künstler verdammt gute Arbeit, die belohnt sein will, aber ebenfalls das kleine Label ritchie records bzw. das etwas größere Label Trikont.
Zur Erinnerung: labelfriendly bedeutet wenig Quali mit Störern, um Euch zu motivieren, das Werk zu kaufen. Über Flight 13 kostet die Scheibe gerade mal 12 €, bei Trikont schlappe 3 € mehr. Am besten geht Ihr natürlich auf die Konzerte und holt Euch das Album dort.

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BERNADETTE LA HENGST: agierende Chanteuse, singende Schauspielerin, open-minded Chorleitung, verdammt sexy Alles-Könnerin, Ex-Die Braut Haut ins Auge, macht nebenher noch Beat, Kraut, Pop und Electro, grossartige Entertainerin.

KNARF RELLOEM: is in the House, tanzender Agit-Propper, aka King Fehler, Sprachjongleur mit Discofeeling, Ex-Huah, macht u.a. Disco, Kraut und No Wave, wunderbarer MC.

GUZ: Schaffhauser Sänger, Musiker und Tontechniker, sensibler Knödelbaron, haut die Bude zusammen, Chefsänger der Aeronauten, kann Rock'n'Roll, Garage, Boogie Woogie und Punk, begnadeter Unterhalter.

Bernadette & Guz & Knarf: dreimal eine einzigartige Show. Drei IndividualistInnen - zusammen mindestens 60 Jahre Bühnenerfahrung und auf fast 100 Tonträgern vertreten - teilen die Bühne. Machen neue Lieder, schreiben altes um, improvisieren und animieren, sind chaotisch und bleiben professionell.

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In den Siebzigern hätte man so etwas eine Supergroup genannt.
Obwohl Die Zukunft musikalisch natürlich nichts mit damaligen Supergroups wie Emerson,Lake & Palmer gemeinsam hat. Statt virtuoser Materialschlachten gibt es einfache Beats, statt Mucker-Gehabe die Schlichtheit von Punk - und zwar des frühen Punk, als die Sache noch open minded war, ironisch, selbstreflexiv und mit Dub verwoben. Und doch hat Die Zukunft alles, was eine echte Supergroup auszeichnet: Drei starke Persönlichkeiten, die schon lange im - nennen wir es ruhig so - Musikgeschäft dabei sind, treffen aufeinander, ergänzen einander, spielen sich Ideen zu. Und vor allem: bringen ihren je eigenen Stil ein, ohne dass das Ganze auf gegenseitiges Überbieten oder verkrampften Crossover hinauslaufen würde.

Die Zukunft, ursprünglich 2008 nur für ein Festival von »Ritchie Records« gegründet, waren von der Zusammenarbeit so begeistert, dass sie selbst auf die Idee kamen, ein Studioalbum aufzunehmen - durch Livekonzerte querfinanziert - und Trikont anzubieten, die das Potenzial kennen und zugegriffen haben. Wir danken es ihnen! Denn die 11 Nummern klingen keineswegs nach einem Nebenprodukt, sondern sind die Groove gewordene Antwort darauf, wie man Skepsis und Coolness zusammenbringt.

Martin Büsser

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Tourdaten:

• 06. May 2010 20:00 Bang Bang Club Berlin, DE
• 07. May 2010 20:00 Desi Nürnberg, DE
• 08. May 2010 20:00 Great Räng Teng Teng Freiburg, DE
• 12. May 2010 20:00 ilses erika leipzig, DE
• 13. May 2010 20:00 Die Treue Bremen, DE
• 14. May 2010 20:00 Kulturbunker Köln, DE
• 15. May 2010 20:00 Das Bett Frankfurt, DE
• 16. May 2010 20:00 Hafenklang Hamburg, DE
• 09. Jun 2010 20:00 Rote Sonne München, DE
• 10. Jun 2010 20:00 Franz K Reutlingen, DE
• 11. Jun 2010 20:00 Festival Theaterforum / Staatstheater Braunschweig, DE
• 06. Aug 2010 20:00 ARM / Galerie Loyal Kassel, DE
• 07. Aug 2010 20:00 Kommz Festival Aschaffenburg, DE

Sisters & Brothers